Podczas gdy Frieze Los Angeles, Felix i Spring/Break Art Show z pewnością przyciągną międzynarodowy tłum kolekcjonerów zjeżdżających do miasta na L.A. Art Week (26 lutego – 3 marca), jest wielu lokalnych artystów, galerii i wydarzeń odbywających się poza zatłoczonym namiotem lub stoiskiem, które są równie warte uwagi.
THR zebrało niektóre z naszych ulubionych wydarzeń artystycznych w mieście i okolicach – od dwóch psychodelicznych malarzy zamieniających swoje wizje w sztukę do noszenia po grupę meksykańsko-amerykańskich artystów przejmujących Jeffrey Deitch Gallery – więc będziesz miał inne fajne rzeczy do oglądania po opuszczeniu sekcji VIP Frieze.
Jeremy Shockley w Saint Laurent
Podczas gali w 2022 roku, zorganizowanej przez założone przez Flea Konserwatorium Muzyczne Silverlake, Farrah Katina z Saint Laurent, specjalizująca się w public relations i współpracy, zakochała się w obrazie Jeremy’ego Shockleya. Rok później Katina była zajęta organizowaniem magicznych realistycznych dzieł urodzonego w Południowej Karolinie artysty – pomyśl o obrazach zachodów słońca i galaktyk, które wydają się być rozerwane na szczęśliwe twarze – na solową prezentację (od 27 lutego do 31 marca) w butiku francuskiej marki w Beverly Hills w ramach programu współpracy Rive Droite.
„To w zasadzie niektóre z moich ulubionych prac z ostatnich dwóch lat” – mówi Shockley, odnosząc się do obrazów z ostatnich solowych wystaw w The Hole w Nowym Jorku i One Trick Pony w Los Angeles, rezydencji w Moosey w Anglii oraz instalacji na 2022 Spring/Break Art Show.
Oprócz wystawy, Shockley współpracuje z Saint Laurent nad kapsułą limitowanej edycji odzieży i akcesoriów. „Jestem tylko malarzem, ale miło jest widzieć, jak ludzie z Saint Laurent zamieniają moje dzikie prace w modę” 326 North Rodeo Drive, Beverly Hills
Nowy Gallucci Tull w Topanga
Kiedy mieszkająca w Los Angeles artystka Dani Tull, która przez lata była partnerem w prowadzonej przez artystów przestrzeni Odd Ark, zaczęła spotykać się z Jessicą Gallucci, łączniczką artystów w galerii sztuki The Hole, oboje połączyło „odkrywanie fizycznych i duchowych obrzeży Los Angeles, jego pomijanych historii i artystów” – mówi Tull. Teraz oboje otwierają własną przestrzeń, Gallucci Tull, w kopule geodezyjnej w rezydencji artystycznej Tull Encina w Topanga Canyon.
Pierwszą z nich jest wystawa Nick Taggart: Art School Portraits from 1974, trwająca od 26 lutego do 4 marca. „To dla mnie interesujące, gdy patrzę na nie pięćdziesiąt lat później” – mówi Taggart, który wylądował w Los Angeles w 1977 roku i tworzył okładki albumów dla Van Halen i Richarda Pryora (który zachował oryginalny portret, wykonany w tym samym stylu, co rysunki Taggarta ze szkoły artystycznej, do swojej osobistej kolekcji), jednocześnie malując oryginalną scenę Spago, Children of a Lesser God reżyserkę Randę Haines, witrynę kultowego butiku Heaven i niezliczone inne ikony Los Angeles z przeszłości.
„Nie sądziłem, że znalazłem swój prawdziwy głos aż do później, ale teraz postrzegam te rysunki jako dość wyrafinowane” – mówi Taggart. „Sprawiłem, że wszyscy moi przyjaciele ze szkoły artystycznej wyglądali jak gwiazdy filmowe” 21658 Encina Road, Topanga
Scratching at the Moon w ICA LA
Latem 2020 r. grupa azjatycko-amerykańskich artystów założyła kolektyw o nazwie AAPI Arts Network, który prowadził dyskusje na temat reprezentacji, widoczności i antyazjatyckiej przemocy podczas pandemii. Teraz jedna z członkiń, rzeźbiarka i profesor UCLA Anna Sew Hoy, wraz z dyrektorką muzeum Anne Ellegood współkuratorowała monumentalną, tworzoną latami multimedialną wystawę Scratching at the Moon w ICA LA.
Wystawa, którą można oglądać do 12 maja, przedstawia wiele z tych dialogów AAPI Arts Network za pomocą filmów, rzeźb, instalacji i fotografii 13 artystów z SoCal, obejmujących całe muzeum (a nawet sklep, który został przejęty przez księgarnię artystyczną Ooga Booga).
Najważniejsze z nich to trzykanałowy film wideo Bruce’a Yonemoto z 1999 roku Hanabi Fireworks, który przekształca pirotechnikę w loga studiów filmowych jako sposób na zbadanie hollywoodzkiego przedstawienia życia Azjatów; zdjęcia Yong Soon Min z 1992 roku, które pokazują jej ciało wytatuowane w miejscach konfliktu (od DMZ po zamieszki w Los Angeles); oraz 40-metrowy rozdzielacz pokoju Sew Hoy wykonany ze szwów koszul zapinanych na guziki. „Ta wystawa stała się naprawdę duża, ponieważ kiedy nad nią pracowaliśmy, zdaliśmy sobie sprawę, że we współczesnym muzeum w Los Angeles nigdy nie było wystawy wszystkich azjatycko-amerykańskich artystów” – mówi Sew Hoy, zauważając, że tytuł był ukłonem w stronę „wysokich aspiracji, jakie rodzice-imigranci mają dla swoich dzieci … i dążenia do osiągnięcia tego księżyca”
Jak dodaje agent CAA i kolekcjoner sztuki Thao Nguyen, który niedawno odwiedził wystawę, „Scratching at the Moon to piękna, historyczna wystawa. Jest to pierwsze instytucjonalne badanie niedostatecznie reprezentowanych artystów azjatycko-amerykańskich z Los Angeles i okolic, które ujawnia różnorodność doświadczeń azjatycko-amerykańskich” 1717 E. 7th St., DTLA
Alake Shilling Drops Paper Planes
Gdyby zmieszać disco, psychodelię, kalifornijską sztukę funk, pop, afrykańskie rzeźby, postacie Disneya, misie opiekuńcze i mnóstwo grzybów, a następnie przełożyć je na brokatowe obrazy i mięsiste ceramiczne rzeźby tego potkniętego świata, można by zacząć rozumieć twórczość (i atrakcyjność) Alake’a Shillinga.
W ciągu ostatnich pięciu lat ta urodzona w Los Angeles artystka była tematem dwóch wystaw indywidualnych w Jeffrey Deitch Gallery (w Nowym Jorku i Los Angeles); umieściła prace w stałych kolekcjach muzeów Hammer i Rubell; współpracowała z Marc Jacobs, Marni i LAFC; i zadebiutowała swoim pierwszym przeglądem muzealnym, Outburst, w Palm Springs Art Museum (PSAM), do 5 sierpnia.
Z Paper Planes, marką streetwearową należącą do Jaya-Z, zadebiutowała także nowa kolaboracja – zawierająca bluzę z kapturem ozdobioną naszywaną wersją jej rzeźby Big Bossy Bear, która jest teraz dostępna w PSAm.
„Uwielbiam koszulki koncertowe i rzeczy, które upamiętniają wyjątkowy moment” – mówi Shilling. „Zawsze bardzo chciałem mieć coś specjalnego na otwarcie koncertu, ale nigdy mi się to nie udało, aż do teraz” 101 N. Museum Drive, Palm Springs
One Trick Pony Goes to Melrose Hill
Po ćwierć wieku pracy jako krytyk sztuki i scenarzysta (Plush, The Gallerina), Arty Nelson rzucił się w świat kuratorski w 2021 roku z One Trick Pony, niewielką galerią sklepową w sercu Małej Etiopii. „Czułem, że jest to przedłużenie pisania sztuki” – mówi Nelson, który w ciągu ostatnich dwóch lat zorganizował znaczące pokazy z Alexem Becerrą, Dinosem Chapmanem i Alem Freemanem oraz wieloma innymi wschodzącymi i uznanymi talentami.
Podczas L.A. Art Week Nelson zadebiutuje w nowej przestrzeni (z ręcznie malowanym znakiem autorstwa Aarona Rose’a) zlokalizowanej na południe od autostrady 101 przy Western Avenue. „Chcę wyjść z szablonu wystawiania tylko pojedynczych artystów i zrobić kilka mikro-badań z bardziej historycznym nastawieniem” – mówi Nelson, który otwiera przestrzeń wystawą New Abstraction: 6 Propozycji (od 1 do 30 marca) z abstrakcyjnymi pracami Richarda Tinklera, Se Oh, Mary Gortani, Iris Estes, Julii Bennett i Chrisa Jin Kima.
Nelson mówi, że jest podekscytowany swoją nową lokalizacją w rozwijającej się dzielnicy artystycznej Melrose Hill na Western: „Wraz z naszym otwarciem pojawi się tuzin miejsc w tym półmilowym korytarzu między Lexington i Melrose i fajnie będzie obserwować, co się tam stanie z mojej nowej pozycji” 1187 North Western Ave., Hollywood
The Pit przenosi się do Atwater
W 2014 roku para artystów Adam Miller i Devon Oder przejęła garaż mechanika w Glendale, wraz z warsztatem wymiany oleju, aby stworzyć dla siebie platformę kuratorską. „Nie chcieliśmy być komercyjną galerią, więc nazwaliśmy ją The Pit, ponieważ nie brzmiało to tak poważnie; mógł to być klub punkowy” – mówi Miller. Jednak w ciągu dekady The Pit stała się bardzo poważną operacją, otwierając drugą przestrzeń w Palm Springs i reprezentując obecnie 25 artystów, których umieścili w niektórych z najlepszych kolekcji w Los Angeles i za granicą.
Teraz para ponownie wkracza na wyższy poziom, opuszczając Glendale i przenosząc się do liczącej 12 500 stóp kwadratowych przestrzeni w Atwater Village z trzema galeriami i sklepem z książkami i wydaniami. Otwarcie nastąpi 24 lutego wraz z dwuosobową wystawą rysunków długoletnich współpracowników Paula McCarthy’ego i Benjamina Weissmana oraz ogromną wystawą grupową Halfway to Sanity, w której weźmie udział 50 artystów, którzy przez lata wystawiali w The Pit. „Dużą częścią tej ekspansji jest możliwość współpracy z większą liczbą artystów historycznych i instytucjonalnych przy bardziej znaczących projektach” – mówi Miller. „Chcemy pokazać artystów wschodzących i w średnim wieku wraz z artystami, którzy ich zainspirowali” 3015 Dolores St., Atwater Village
At the Edge of the Sun at Jeffrey Deitch
Po otwarciu Shattered Glass – przełomowej w 2021 roku wystawy grupowej wschodzących artystów BIPOC w Hollywood, której kuratorami byli Melahn Frierson i AJ Girard – Jeffrey Deitch złożył kilka wizyt grupie meksykańsko-amerykańskich artystów z południowej Kalifornii (takich jak rzeźbiarka ceramiczna Diana Yesenia Alvarado, malarz Mario Ayala oraz artysta multimedialny i performer Rafa Esparza).
„Zawsze szukałem raczej społeczności artystów niż indywidualnych talentów” – mówi Deitch, który właśnie zorganizował wystawę Wild Style z okazji 40. rocznicy filmu, który uchwycił scenę uliczną w centrum Nowego Jorku otaczającą Keitha Haringa, Jean-Michela Basquiata i Kenny’ego Scharfa. Podczas gdy ta wystawa była ważna, jego następna, At the Edge of the Sun – zawierająca przełomowe prace (w tym replikę postoju ciężarówek) grupy 12 przyjaciół artystów, których połączyła duma z sąsiedztwa, kultura graffiti i lowriderów oraz scena życia nocnego, której przewodzą – będzie „najważniejszą wystawą, jaką wystawię w Los Angeles od czasu Shattered Glass,” – mówi Deitch. „Dla mnie ta grupa jest najbardziej ekscytującą rzeczą, jaka dzieje się obecnie w sztuce współczesnej w Ameryce” Wystawa potrwa od 24 lutego do 4 maja. 925 N. Orange Dr., Hollywood
Terry Allen bierze Frieze i Hollywood Forever
W zależności od punktu odniesienia, większość ludzi zna Terry’ego Allena jako muzyka z zachodniego Teksasu stojącego za konceptualnymi albumami outlaw country Juarez i Lubbock, lub jako polimatycznego artystę multimedialnego, który uczęszczał do Chouinard Art Institute i kumplował się z Cool School. „Tak naprawdę nie rozdzielam tych dwóch rzeczy, nigdy tego nie robiłem” – mówi Allen, który założy obie czapki podczas L.A. Art Week. Artysta z Santa Fe będzie miał solowe stoisko Frieze Los Angeles z LA Louver, na którym zaprezentuje prace na papierze, rzeźby, prace mieszane i kompilację filmów wideo (w tym jego teatralny utwór „The Embrace”).
Dwie noce przed Frieze – 28 i 29 lutego – Allen i Panhandle Mystery Band dadzą specjalny występ z muzyką odnoszącą się do prac na wystawach (i niektórych kultowych albumów) w Masonic Lodge na Hollywood Forever Cemetery. „To pierwszy raz, kiedy gramy koncert na cmentarzu, więc nazywamy go Music Beyond the Grave!” mówi Allen, który właśnie wydał śpiewnik z tekstami Juareza z akwafortami wykonanymi w nawiązaniu do piosenek. „Nie mogę się doczekać. Zagramy kilka piosenek o Houdinim i życiu pozagrobowym. Czemu nie?”
Valie Export uosabia MAK Center
Kiedy pod koniec lat sześćdziesiątych austriacka performerka Waltraud Hollinger przedstawiła się wiedeńskim akcjonistom jako Valie Export, szybko zyskała rozgłos dzięki feministycznym performansom Tap and Touch Cinema, w których zapraszała nieznajomych w wiedeńskiej dzielnicy handlowej do dotykania jej piersi przez tekturową scenę kinową, oraz „Action Pants: Genital Panic. W tym ostatnim przypadku weszła do kina artystycznego w Monachium ubrana w kurtkę motocyklową i spodnie bez krocza, a jej włosy były natapirowane jak u Mötley Crüe. Aby upamiętnić swoją nową osobowość, stworzyła serię plakatów z pastą pszeniczną w swoim stroju Action Pants, obnażając się w alejce i wymachując karabinem maszynowym. Po tych radykalnych feministycznych gestach wykonała serię zdjęć Body Configurations, na których insynuuje swoje czasami ubrane ciało w przestrzeni publicznej.
Te przełomowe zdjęcia i dwa filmy – Adjunct Dislocations (1973) i Syntagma (1984) – eksplorujące rozszerzone kino poprzez ruch ciała i doppelgängera zostaną otwarte w MAK Center podczas L.A. Art Week (trwającego od 28 lutego do 7 kwietnia). Jak powiedział kiedyś artysta: „Musisz sprzeciwić się niektórym zasadom państwa, które tłumi ludzkie wolności” W świecie post-Roe działania Exporta są być może bardziej aktualne niż kiedykolwiek. 835 Kings Rd., West Hollywood
Coffee Time With Terence Koh w Make Room
Hollywoodzka galeria Make Room Los Angeles otworzy w ramach swojej nowej przestrzeni Room Project Space speakeasy/coffee shop z mieszkającym obecnie w Los Angeles multimedialnym prowokatorem Terence’em Koh, który w ciągu ostatnich dwóch dekad zrobił wszystko, od pokrycia złotem własnego gówna po prowadzenie i zbieranie „pszczelej kaplicy” w przestrzeniach artystycznych.
W Make Room Koh da dwa występy – we wtorek 27 lutego i sobotę 2 marca – podczas których artysta zaprosi odwiedzających do wypicia z nim domowej kawy i zaangażowania się w strukturę przypominającą jaskinię, która będzie miała własną podłogę z ziemi.
„Terence jest bardzo zainteresowany rytuałem i społecznością” – mówi właścicielka Make Room, Emilia Yin. „Więc przekształcenie naszej galerii w kawiarnię jest do tego idealnym miejscem. A w określonych porach dnia na wystawę będzie padać naprawdę wyjątkowe światło, które Terence chce, by ludzie zobaczyli” 6361 Waring Ave., Hollywood
Wersja tej historii pojawiła się po raz pierwszy w wydaniu magazynu The Hollywood Reporter z 21 lutego. Kliknij tutaj, aby zaprenumerować.